Специальный проект Республики Беларусь
«Декодировка. Архетип адекватного времени» 
на 5 Московской биеннале современного искусства

12 ноября 2013 года в 17.00 в Музее современного изобразительного искусства (пр. Независимости, 47) состоится открытие специального проекта Республики Беларусь «Дэкадировка. Архетип адекватного времени», представленного в сентябре-октябре 2013 на 5 Московской биеннале современного искусства.

Организатором проекта выступил Музей современного изобразительного искусства  при поддержке Министерства культуры Республики Беларусь, Белорусской государственной академии искусств.

Генеральный спонсор мероприятия: ОАО «Приорбанк».

Куратор: Наталья Шарангович

Консультант: Михаил Борозна

Художники: Константин Селиханов, Андрей Щукин

Московское биеннале современного искусства – один из самых крупнейших форумов актуального искусства среди профессионалов и широкой публики благодаря сотрудничеству с ведущими международными кураторами, художниками, критиками, теоретиками и философами. В этом году куратором основного проекта биеннале была выбрана Катрин де Зегер – директор Музея изобразительного искусства в Генте (Бельгия), в рамках биеннале будут представлены более 50 специальных проектов из разных стран мира.

Проект «Декодировка. Архетип адекватного времени» – это диалог двух авторов Константина Селиханова и Андрея Щукина, которые анализируют внутренний мир человека, перешагнувшего через смену эпох. Игра смыслами легла в основу сюжета, где художники оперируют понятиями и образами культуры, ставшими для нас узнаваемыми и формальными знаками, а иногда даже мифами недавнего прошлого.

Часто современный человек уверен, что его индивидуальность, его личное жизненное пространство нерушимы и защищены. Однако это убеждение постоянно опровергается или ставится под сомнение бесконечными внутренними противоречиями, сопровождающими существование человека в социуме. Противоречия между личностным и общественным, прошлым и настоящим, идеальным и бытовым не имеют однозначного разрешения. Все это в конце концов лишает человека уверенности в своей уникальности, заставляя почувствовать частью некого огромного механизма – бесконечной очереди.

В каком-то смысле «очередь» является метафорой человеческого сообщества. Сообщества человеческих индивидуумов, объединённых объективными обстоятельствами экономических, психологических и прочих факторов. Скульптурная композиция Константина Селиханова представляет «Очередь» выстроенных в одну линию схематично изображённых людей. Достаточно большую, чтобы пересечь всю длину выставочного пространства, подчёркивая тем самым монотонность и масштаб происходящего. Она вызывает у зрителя ощущение бесконечности и контраст между воображаемым действием и реальной ситуацией движения в никуда.

Единую  стратегию освоения пространства за счет применения большого количества одномасштабных элементов нетрудно проследить в искусстве Уолтера де Мариа, Энтони Громли, с той разницей, что роль металлических труб выполняют статуи людей. Константин Селиханов также развивает мотив статичной обезличенной фигуры, что помогает ему достичь эффекта переходного состояния или готовности к переходу – постмодернистический отклик на тему сосуществования человека с человеком, сосуществования человека с обществом.

Чтобы усилить визуальный образный контент художник переходит на язык инсталляции, заключая свою очередь в ограниченной пространство павильона-комнаты. Элемент бытовой культуры прошлого подчеркивают старые обои. Тема бесконечной переделки для Селиханова актуальна уже давно. На ремонт, считает художник, мы обречены в любом возрасте и в любых обстоятельствах. Это один из признаков эпохи, как и молоко в граненых стаканах на пластмассовом подносе – еще одна инсталляция автора.

Мы все находимся вместе и отдельно одновременно. Куда-то движемся и в тоже время стоим на месте. Метафора коллективного сознания находит поддержку в фотоработах Андрея Щукина, становясь материалом для визуального текста. Объекты в его фотографиях в контексте общего проекта приобретает смысловую наполненность и ценность артефактов времени. Фотографии Андрея Щукина представляют собой некие «матрицы восприятия» банальных бытовых объектов. Его работы, цельные  и одновременно распадающиеся на отдельные элементы, говорят о некой аналитической дезинтеграции объектов, имеющей скорее философский смысл, чем визуальный минималистический ход. Художник не отрывается полностью от реального предмета, но при этом он для ��его – только маска. Именно эта двойственность художника привлекательна в его работах.

Наталья ШАРАНГОВИЧ, куратор проекта

Скачать католог в формате PDF

Незатейливый сюжет прошлого и … Действие разворачивается и не заканчивается в любых системах координат. Где-то так, с позиции времени, можно обозначить концепцию проекта Константина Селиханова и Андрея Щукина. Но художники предлагают вовсе не экранизацию дискурсов в обычном понимании. Тонкое интимное художественное внимание авторов в��являет глобальную идею передачи смыслов через пронзительную даже материально агрессивную игру-графику. С позиции времени в работе Константина Селиханова хрупкий концептуальный образ испытывает материал монументальной выразительности, а документальный фотоопыт Андрея Щукина напоминает о предельной хрупкости современного героя. Пространство системных экспериментов вокруг может меняться, только не сама помеченная художниками модель «один за одним». Мне кажется, что кураторский посыл обоснован и творческий результат убедителен.

Очередь словно превращается в известную ленту Мебиуса, ограниченную пространством павильона. Но самые масштабные замыслы действительно рождаются в малом пространстве. Очередь фантомов, похожая одновременно на гигантскую реку-лестницу, где сложно угадать среди анонимов мыслителя, транслятора идей, как раз идеальное место для развития вневременных идей. Внутренний конфликт заменен тайным протестом скрытого героя всеобщего времени. К чему останавливаться, если можно идти дальше?

Михаил Борозна
консультант проекта,
кандидат искусствоведения

Интервью Константина Селиханова

- Проект «Очередь» - это эксперимент или ремейк?

- Я бы назвал это кратким курсом предыдущего проекта. Даже конспектом, частью того, что было уже показано. Попыткой донести свою мысль до зрителей, которые не видели всего остального. Формулой. Однако проект показан на новой площадке и новому зрителю с иным восприятием, и уже это можно назвать экспериментом.

- В какой форме ты ведешь диалог со зрителем?

- Зритель становится участником неких событий, действий, которые я разворачиваю перед ним. Таким образом, он сам превращается в своеобразный выставочный экспонат.  Меня интересует его реакция. Тут я, возможно, касаюсь каких-то личных аспектов человеческой, повседневной жизни.

- Почему в твоем проекте присутствие человека ощутимо лишь как части целого?

- Каждый человек находится в некой «очереди», в социуме,  встроен в определенную модель мира. И вместе с тем люди не связаны  друг с другом, они одиноки, они, теряя индивидуальность, остаются самодостаточными. Это сложный и неоднозначный процесс, и мне было интересно визуализировать его. Чтобы подготовить зрителя к восприятию моей «Очереди», я использую инсталляцию – фрагмент моего первоначального проекта – стол, на котором стоят наполненные «молоком» граненые стаканы. Это не ностальгия по 1970-м, это попытка сказать зрителю о том, что проблема самоидентификации человека в социуме и была, и остается актуальной, меняется только ее визуальное восприятие.

- Как будет воспринимать твой проект молодой зритель, который не застал ни таких стаканов, ни подносов, ни очередей?

- Я как раз и думал о времени, которое совершенно не изменилось. Собственно «очередь» – это универсальная форма существования человечества. Поэтому и для сегодняшнего зрителя образ будет актуальным. Я показываю метафору очереди, а не реальную очередь за молоком. Нам кажется, что мы разъединены, на самом деле мы все находимся в некоей плотной связке, будь то интернет, экономика, погода или что-то еще.

- Как выбор материала влиял на проект? Ты используешь бронзу, железо, дерево, стекло и немножко парафина…

- Парафин, имитирующий молоко в стаканах, – это намек на искусственность, бутафорность. Я художник, который оперирует традиционными материалами и формами. Когда придумывал проект, отталкивался от образа некого идеального персонажа, который стоит на постаменте или является участником  парада в кинохронике 1920-х годов. Я понял, что такой персонаж универсален. Образ очереди возник потом. Постепенно  сформировалась  некая «толпа», собранная в блоки. Неслучайно я выбрал и материал – бронзу. Бронза – это своеобразная примета ушедшего времени, эпохи грандиозных монументов. Кроме этого, бронза несет еще и чисто эстетический аспект. У моих героев все майки золотые. У бронзы больше возможности передать разницу цветов, многообразие гаммы и фактуры.

Интервью Ан��рея Щукина

- В какой мере серия «Кинестетика – творческий эксперимент?

-Мои работы – не эксперимент. Они соответствует моему мироощущению. Я всю жизнь коллекционирую собственные впечатления и ощущения и сохраняю их посредством студийной, постановочной фотографии. Не через фиксацию уникального момента реальности, а через адаптацию этого момента к моим эстетическим пониманиям и представлениям.

-Является ли для тебя определяющим аспектом техника?

-Не могу сказать, что она имеет решающее значение, но, тем не менее, играет важную роль. Мне нравится сам фотографический процесс, именно аналоговый. Все началось с любви к магии превращения оптических лучей в изображение на белом листе бумаги. Но потом, постепенно, когда техника была освоена, меня стало интересовать, как её можно использовать в высказывании своих мыслей, в выражении своих собственных ощущений.

- Предметы для тебя заменяют актеров?

- Тут я полагаюсь на интуицию, подсознание и чувственность. В детстве я собирал марки, монеты, пластинки, магнитофонные записи, предметы старины, модели самолетов, кораблей, автомобилей. Думаю, это связано с желанием структурировать и систематизировать для себя окружающий мир. Это увлечение плавно переросло в коллекционирование впечатлений и образов, выраженных в фотографиях. Причем работая с неживой натурой я могу в большей степени проявить самого себя, свои ощущения. Окружающий мир мне кажется большим музеем, где всё, ну или почти всё можно трогать руками.

- Отсюда и появилось название проекта «Кинестетика»?

- Я заметил, что прежде чем что-то сфотографировать, мне очень хочется прикоснуться, повернуть всеми сторонами, познакомиться, можно сказать «пожать руку» объекту моего внимания, а потом разместить его перед камерой. Коллекция разрослась и постоянно пополняется, я с удовольствием ищу новых «героев», а потом стараюсь зафиксировать, задокументировать свои ощущения. Так было, к примеру, с блоками замороженной рыбы.

- Почему в твоих работах  почти нет самого человека, но  всегда ощущается его присутствие.

- Предметы как правило тесно связаны с деятельностью человека и могут рассказать  о нем очень многое, и главное, они более искренни. Фотографируя человека, мы видим глаза, лицо, выражение, но мы совершенно не понимаем, о чем он сейчас думает. Неодушевлённые объекты выглядят честнее. В моем проекте они главные герои и повествователи.

-Когда ты начинаешь работу ты выбираешь предмет и тем самым показываешь себя в нем?

-Да. Безусловно. Я бы взял шире: это я и еще кто-то. Это мой взгляд на собирательные образы других людей. И, естественно, это мое видение. Мне не хочется далеко уходить от документальной фотографии, ведь на самом деле я предметами почти не манипулирую, просто помещаю объекты в иную среду. Я документирую без цифрового вмешательства, без всякого заигрывания с эффектами. Просто снимаю и печатаю. Вопрос только в подборе объектов, в выявлении характера светом и тенью. Я даже влияние композиции пытаюсь свести к минимуму – умышленно предмет помещаю в центр. Я заставляю максимально высказаться сам предмет.

Выставка работает с 12 по 23 ноября 2013.